“On dit que Jean-Luc Godard a réinventé le cinéma, mais il ne l’a pas simplement transformé en autre chose une fois, il a continué à le faire à chaque film, à chaque plan et à chaque montage, ou comme il aurait dit, 24 fois par deuxièmement », explique Chiara Marañón, directrice du contenu chez MUBI.
L’iconique cinéaste franco-suisse, Jean-Luc Godard est décédé le 13 septembre, âgé de 91 ans par suicide assisté.
L’incroyable travail de Godard pour redéfinir le cinéma peut parfois échapper au cinéphile le plus occasionnel. La semaine dernière, Euronews Culture regardé ce qui définissait Le style de Godard et les signes extérieurs de la Nouvelle Vague française.
Dans ce deuxième épisode, nous examinerons à quel point Godard était prêt à enfreindre les règles et à devenir son propre type de réalisateur.
Comme l’explique Marañón : « Il n’y avait pas de véritables frontières pour lui, en tant que grand saboteur, il a enfreint à lui seul toutes les règles pour ensuite en proposer de nouvelles pour les incendier à nouveau, c’est pourquoi il a été extrêmement influent mais en même temps. le temps ne peut avoir de véritables imitateurs, tant sa singularité est radicale. Cela ne peut jamais être copié avec succès.
Une vision pour le cinéma
L’une des façons les plus claires d’influencer le cinéma par Godard a été d’établir un langage cinématographique capable de se commenter ouvertement, Docteur Neil Archermaître de conférences en cinéma à l’Université de Keele explique.
“Godard pensait constamment à ce que vous pouvez faire avec différents plans et avec différentes séquences de plans”, explique Archer. Son approche non conventionnelle de l’édition linéaire et de la méta-narration se retrouve aujourd’hui dans des endroits inattendus comme Edgar Wright, le réalisateur de ‘_Shaun of the Dead_’ et ‘_Hot Fuzz_’.
“Edgar Wright comprend qu’une partie du plaisir de Godard réside dans sa façon de situer les genres dans un contexte différent. Une partie du plaisir de regarder un film comme Shaun des mortsc’est parce qu’il est conscient de son emplacement et du contexte de son genre », explique Archer.
Il y a un mot qui s’est infiltré dans l’usage courant autour du cinéma, celui lancé par Godard et la Nouvelle Vague française : « Auteur ». L’idée d’une vision artistique singulière qui, malgré les nombreuses mains nécessaires à la réalisation d’un film, place l’art uniquement dans le giron du réalisateur.
La théorie de l’auteur a été complètement adoptée par de nombreux grands noms de l’industrie cinématographique au sens large, avec des réalisateurs comme Martin Scorcese et Quentin Tarantino souvent qualifiés d’exemples contemporains du cinéma à gros budget. Le montage de “_Mean Streets_” de Scorcese a des caractéristiques claires de Godard, tandis que Tarantino a nommé sa société de production “A Band Apart” d’après le film de Godard “Bande à part”.
Le personnel, le politique et l’expérimental
Là où réside la différence entre de nombreux auteurs modernes et Godard, c’est souvent dans leur approche politique et analytique du cinéma, soutient Archer.
« Godard a toujours été très politique. Tout ce qu’il faisait dans ses films était politique et comment concilier les films de genre avec ce qui se passe dans le monde », explique Archer. Des premiers films de Godard faisant référence aux guerres d’Algérie et du Vietnam à son marxisme ultérieur, il n’a jamais eu peur de faire connaître ses pensées politiques à travers son travail.
Pour le critique de cinéma David Sterritt, la volonté de Godard d’être honnête avec ses intérêts politiques et personnels, ainsi que ses expérimentations sur la forme, le séparent presque entièrement du paysage du cinéma multiplex.
“Godard a toujours eu une influence sur ce que nous pourrions appeler le film d’art”, déclare Strerritt.
Le cinéma grand public, d’un autre côté, est toujours «des gens qui racontent des histoires qui ont à voir avec l’amour ou la romance ou l’action ou la violence; raconté d’une manière agréable et continue afin que le public puisse s’asseoir et laisser le film les envahir sans avoir à réfléchir.
C’est, selon Sterritt, tout ce contre quoi Godard s’est battu.
« Ses films ont toujours été intensément personnels. C’est l’une des raisons pour lesquelles il n’a eu pratiquement aucun succès au box-office dans toute sa carrière pendant des décennies et des décennies, car ses films étaient également difficiles », explique Sterritt.
Personnellement, Godard n’était pas seulement autobiographique, ils traitaient également de son idée personnelle de ce que le cinéma pouvait accomplir à cette époque. Cela a conduit à de nombreuses expériences qui aliéneraient un public de masse.
“Beaucoup de ses films ont des titres qui indiquent qu’ils ne sont pas censés être des œuvres finies”, rit Merritt. « Ce sont des expériences. Ce sont des travaux en cours. Un de ses films, le sous-titre est “Un film en cours de réalisation”. C’est le sous-titre du vrai film que vous allez voir au cinéma ! »
Lorsque Godard faisait une adaptation du Roi Lear en 1987, son acteur principal, l’écrivain Norman Mailer a quitté la production quelques heures après une dispute. Godard a quand même terminé le film, changeant simplement le récit pour que le personnage principal n’ait pas besoin d’être là.
Bien que Godard soit un nom établi, le succès financier n’a jamais vraiment été l’objectif, c’est plutôt le processus de réalisation d’un film et de développement du médium qui l’a conduit.
Sterritt a interviewé Godard en 1994 et lui a demandé comment il pouvait continuer à faire ces films risqués et non conventionnels qui atteignent un si petit public.
« Il a dit : ‘Oh, j’ai un nom. Et les producteurs savent qui je suis. Et généralement, pour être associé à moi d’une manière ou d’une autre, ils me donnent un peu d’argent ». se souvient Sterritt.
Restez connectés pour notre troisième volet sur l’influence de Jean-Luc Godard sur le cinéma. Lis lepremière partie ici.